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PEINTRES

LUCIO FONTANA

Posté le 24/10/2007 à 12:00 par minotaure
L'oeuvre de Lucio Fontana (1899-1968) se nourrit, à ses débuts, de tous les courants, de tous les styles, une manière de se soustraire à l'autorité de l'histoire. Fontana explore ensuite tous les aspects de la matière pour aboutir à un art épuré, avant de rallier dans les années trente le groupe des Abstraits italiens, puis de rejoindre Abstraction-Création. Mais la spécificité de son art s'affirme véritablement après la Seconde Guerre mondiale avec ses premiers Milieux spatiaux. Fontana impose son geste irréversible et radical, qui griffe, perfore, troue et même lacère l'espace de la toile ; geste auquel nous reconnaissons encore aujourd'hui son oeuvre.


Source

http://www.cnac-gp.fr/Pompidou/Edition.nsf/Docs/ID9B9085DC2D62004DC125688000518E44?OpenDocument





CHRISTIAN JACCARD

Posté le 07/04/2007 à 12:00 par minotaure


CHRISTIAN JACCARD

Né à Fontenay-sous-bois en 1939.


Après des études à l’Ecole des Beaux-Arts de Bourges (1956-60), il perturbe l’acte classique ou traditionnel de la peinture. Libre de tout châssis, la toile, posée au sol, est imprimée à l’aide de ce que JACCARD nomme des « outils » : objets naturels (plantes et insectes), papier, ruban, puis à partir de 1971, cordes, ficelles, noeuds… Ces outils remplacent le pinceau pour produire des traces sur la toile.
Vers 1973, il brûle ces outils contre la toile, qui porte ainsi la trace de leur combustion.
De 1979 à 1981, une nouvelle série : Les anonymes calcinés, soumet à la chaleur destructrice des toiles anonymes du XVIIe, XXVIIIe, XIXe et Xxe siècles – portraits, scènes religieuses, puis des calicots publicitaires de cinéma. La combustion attaque certaines parties de l’image pour en laisser d’autres plus visibles.
La démarche de l’artiste se fonde sur une philosophie proche de l’ésotérisme. A la pratique de la combustion, il associe un « matériel » d’ordre rituel, primitif. La création par et dans le feu devient le passage obligé d’une transmutation de la matière dont le résultat est imprévisible et engendre une représentation plus ou moins abstraite.

A travers son action expérimentale, l’oeuvre de JACCARD participe à la redéfinition du cadre structurel du tableau, ce qui, dans les années 70, le rapproche des préoccupations du groupe Supports-Surfaces


Sourcehttp://imagoart.club.fr/jaccard.htm


REMBRANDT

Posté le 03/02/2007 à 12:00 par minotaure
Le Boeuf écorché de Rembrandt Harmensz van Rijn, dit Rembrandt.

CHAIM SOUTINE

Posté le 03/02/2007 à 12:00 par minotaure
Le Boeuf écorché de CHAIM SOUTINE, 1926

YVES TANGUY

Posté le 08/11/2006 à 12:00 par minotaure
C'est à Paris, le 5 janvier 1900, que naît Jean Yves Tanguy, de souche bretonne et fils d'un capitaine au long cours.En 1918 il sera « pilotin », c'est-àdire élève officier de la marine marchande et reviendra, par la suite, fréquemment séjourner dans la région de Locronan où il explore les criques désolées. C'est peut-être à parcourir la grève que son esprit se nourrit de la forme des poissons, mollusques et autres créatures biomorphiques qui viendront, plus tard, habiter ses toiles. Bien que le processus d'élaboration de son oeuvre ait conservé son mystère, il semble que ces espaces aux couleurs résolument gaies, soient maritimes, et particulièrement sousmarins. Ce personnage secret qui a le vin mauvais, qui mange des araignées et des mouches vivantes pour épater la galerie les soirs de goguette, ce peintre bizarre qui peint dans un placard, conserve un mode de pensée similaire durant toute son existence. D'ailleurs, il existe très peu de différence entre les toiles des années vingt-cinq et celle de 1954, « Mirage du Temps », qui fait partie des collections du MOMA de New York.
Cependant, sa vision originale d'un monde surréel reste une énigme pour tous, d'autant que l'exécution impeccable, « bien léchée », la fraîcheur des couleurs et la précision du geste lui permettent de concevoir d'étranges objets, des sortes d'explorateurs d'espace qui n'ont guère d'équivalents. La multiplicité des fondus et des dégradés contribuent à donner un rayonnement merveilleux, un caractère magique à ces formes étirées. S'il est difficile de leur trouver une constante, il convient de remarquer avec quelle méticulosité l'artiste - qui ne peint qu'une vingtaine de toiles chaque année - ménage des oppositions entre le plein et le vide, le ferme et le mou, le mobile et le stable. A croire que cette fiction, riche de séduction, puisse être la matérialisation d'un continent perdu, de ceux qui appartiennent aux rêves les plus étranges !
A son obsession de la ligne d'horizon, apparue dans les années trente, s'ajoute à partir de 1940 une dimension verticale qui semble correspondre à son exil volontaire aux Amériques. Il épouse Kay Sage, prend la nationalité américaine pour devenir un gentleman du Connecticut bien sous tous rapports, alors qu'il avait mené une vie d'errance avec sa première compagne Jeanette Ducrocq, allant d'un petit hôtel à un autre et déménageant parfois à la cloche de bois.
Dans la seconde partie de sa vie, les objets se font plus mécanographes tandis que la palette s'éclaire.
Si la pensée inconsciente est incontestablement à l'origine de son oeuvre, ses espaces dénués de présence humaine paraissent cependant habités d'humanoïdes, de concrétions végétales et de formes biomorphes, que son habileté à travailler la perspective met en valeur selon une logique, menée d'une manière presque obsessionnelle, qui n'appartient qu'à Tanguy. « Je sais, disait-il, que je possède une seule invention à moi tout seul: j'ai supprimé la ligne qui sépare l'eau du ciel ».
Thierry SZNYTKA

5L'ennui et la tranquillité", 1938

QUENTIN METSYS - JUDITH

Posté le 29/10/2006 à 12:00 par minotaure

LES MENINES

Posté le 28/10/2006 à 12:00 par minotaure
L'oeuvre culminante dans la production de Vélasquez est certainement celle dénommée Les Ménines, immense tableau de plus de trois mètres de hauteur où sont représentés, auprès de Philippe IV, de son épouse Marie-Anne d'Autriche et de l'infante Marguerite, les dames d'honneur (les Ménines) Marie-Augustine Sarmiento, agenouillée près de l'infante, et Isabelle de Velasco, avec les nains Maribarbola et Nicolas de Pertrusato - lequel donne au chien un coup de pied - ainsi que la duègne Marcela de Ulloa, accompagnée, au second plan, d'un gentilhomme de la garde ; sur les marches de l'escalier du fond, près d'un miroir qui reflète les effigies royales, se tient le chambellan José Nieto Vélasquez. Le peintre s'est représenté lui-même à gauche de la composition, le pinceau à la main, observant les dernières touches appliquées sur l'énorme toile plantée devant lui. Ce que ce tableau magistral prétend décrire, en fait, c'est l'irruption, dans les appartements du palais attribués à l'artiste, de l'infante et de son cortège, le distrayant momentanément de sa tâche. La scène donna lieu à l'une des eeuvres les plus complexes de la peinture de tous les temps, cependant que sa géniale exécution marquait le sommet de l'art naturaliste.
Les Ménines ont suscité une littérature si abondante, des critiques et essais exprimant une telle diversité d'opinions et d'hypothèses, qu'il serait impossible d'en faire l'exposé. Il est tout d'abord évident que le peintre ne s'est pas autoportraituré en train de peindre ce tableau, mais que la composition suggère qu'il réalise une autre oeuvre, probablement le portrait du couple royal posant devant lui, comme l'atteste le miroir au fond de la salle. En second lieu, il s'agit d'un document intéressant qui témoigne de la familiarité avec laquelle Vélasquez était traité par les monarques, Philippe IV assistant presque quotidiennement à l'activité du peintre. Cette relation privilégiée est d'ailleurs illustrée par le fait même d'avoir été autorisé à prendre place dans ce tableau au milieu des personnes royales. Techniquement, la composition posait un problème de hiérarchie : assurer le premier rôle à l'infante en réduisant à la catégorie de comparses les autres personnages qui l'accompagnent ; pour cela, l'artiste use de gradations lumineuses et d'effets impressionnistes qui produisent d'inégales sensation de réalité, insérant véritablement chaque figure dans son ambiance propre. L'allusion aux parents de la fillette au moyen du reflet dans le miroir révèle un extrême génie inventif. Le tableau fut peint en 1656, et sous le nom de "la Famille", il décora le cabinet d'été de l'Alcazar de Madrid.

LA MORT DE MARAT

Posté le 14/10/2006 à 12:00 par minotaure
Marat est assassiné le 13 Juillet 1793 par Charlotte Corday, une jeune royaliste.
J. L. David a peint l'événement avec une grande sobriété afin de donner à l'instant toute sa gravité.
...Achevé en octobre 1793 "l'Ami du peuple" assassiné par Charlotte Corday le 13 juillet est représenté dans sa baignoire dans une position qui rappelle la Déposition de croix chrétienne. Vertus de charité et de dénuement du "martyr révolutionnaire" que David marque par le vide du décor. On remarquera que le fond vide où joue la lumière est rendu vibrant par les touches en frottis...De ce tableau Beaudelaire écrivait en 1846 "cruel comme la nature, ce tableau a tout le parfum de l'idéal"
Ce tableau fut recopié à de très nombreux exemplaires, et a été un des outils du culte républicain qui fut rendu à Marat.

MARIA HELENA VIEIRA DA SILVA

Posté le 13/10/2006 à 12:00 par minotaure
Née à Lisbonne en 1908, l’artiste portugaise s’est exilée en France dès 1928 où elle a été une des fondatrices de l’école de Paris. En 1930, elle épouse le peintre hongrois Arpad Szenes (mort en 1985). D’abord figurative, au milieu des années 1930, Maria Helena Vieira da Silva ébauche son style en forme de patchwork qui la rendra mondialement célèbre. En 1938, elle accueille dans son atelier parisien le jeune peintres, Nicolas de Staël. C’est dans les années 1950 qu’elle se positionne comme un peintre de premier plan. Elle est morte à paris en 1992.

« Ses toiles reflètent son goût pour les surfaces divisées baignant, surtout à partir des années 1970, dans la lumière si caractéristique du Portugal. (…) Souvent à la frontière entre figuration et abstraction, le monde de cette artiste en quête d’infini est construit à partir d’unités colorées et de lignes qui s’enchevêtrent en créant des espaces labyrinthiques. On pense parfois à Lisbonne, sa ville natale, même si elle y a fort peu vécu. »

EDGAR DEGAS - L'ABSINTHE

Posté le 13/10/2006 à 12:00 par minotaure
Mise à la mode par les militaires du Bataillon d'Afrique qui y prirent goût dans les sables du désert, l'absinthe apparaît sur les tables des cafés des Grands Boulevards vers 1830. Découverte par la bourgeoisie admirative de ses soldats conquérants, elle est rapidement appréciée par le monde artistique. Peintres et littérateurs vont en faire leur « Muse verte » et vont laisser d'innombrables oeuvres marquées de l'empreinte de la « Fée verte ». Il est évidemment tentant de faire de l'absinthe une boisson aux vertus particulières capable de susciterl'imagination et l'inspiration. Mais cet alcool résultant de la distillation de plantes, s'il a de quoi échauffer les esprits aves ses 72° (heureusement coupés d'eau !) n'en est pas pour autant hallucinogène comme le montrent les travaux scientifiques. Alors, prétendre comme beaucoup le font, que Verlaine, Van Gogh et les autres doivent leur inspiration et donc leur génie à l'absinthe est réellement leur faire outrage. Les artistes ne prenaient-ils pas l'absinthe tout simplement parce qu'elle était une boisson totalement nouvelle tant par son goût que par son rite de consommation et que naturellement elle était à la mode ?
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